Um die Revolution tanzen

Von Urvija Banerji

“Jedes N **** braucht eine Revolution, jede Revolution braucht eine Revolution.” Dies ist die Refrain-Choreografin, die Nora Chipaumire im zweiten Akt ihrer Show, “#PUNK 100% POP * N! GGA”, verabschiedet. Alle zehn Minuten während des einstündigen Aktes hört chipaumire auf zu tanzen und kehrt zu diesem Satz zurück. „Niemand kommt, um uns zu retten“, fährt sie fort. “New York! Wenn es eine Sache gibt, vor der Liberale Angst haben, dann ist es eine Revolution. “

chipaumire: provozieren und lindern unbehagen. Foto: © Jesus Robisco für Africa Moment, Barcelona, ​​mit freundlicher Genehmigung von FIAF / Crossing the Line

Sie hält einen Moment inne, und dann setzt ein viszeraler Disco-Beat ein. „Wir feiern wie 1980!“, Sagt Chipaumire (die ihren Namen ohne Initialen buchstabiert) und beginnt erneut zu tanzen.

Dies sind nicht die einzigen Worte, die in „#PUNK 100% POP * N! GGA“ wiederholt werden: Alle dreieinhalb Stunden des „Live-Performance-Albums“, wie Chipaumire es nennt, sind bündig mit wiederkehrenden Versen. In der Performance verwendet Chipaumire verschlüsseltes gesprochenes Wort in Verbindung mit Tanz, ihrem primären Medium, um die Erfahrung zu kritisieren, in Amerika schwarz zu sein.

Für Chipaumire ist die Revolution für die Gleichberechtigung der Rassen zyklisch und dauert an, und in der Tat interessiert sie das Wort „Revolution“, das das Drehen impliziert, besonders. Sie lenkt ihr Publikum durch Zyklen der Konfrontation und Katharsis, beschwört Unbehagen mit ihren oft provokativen Hinweisen auf systemischen Rassismus und fordert das Publikum auf, die dadurch erzeugten angespannten Emotionen auf physische Weise zu zerstreuen. chipaumire strukturiert die Show in einem dreigliedrigen Zyklus und schafft in jedem der drei Acts – “#PUNK”, “100% POP” und “* N! GGA” – eindringliche, berauschende Landschaften, zwischen denen das Publikum 15 Minuten Pause einlegt . Sie fordert die Zuschauer auf, sich für die ersten beiden Akte zu stellen, sie aufzufordern, sich frei auf der Bühne zu bewegen und sie direkt, oft auf offen feindselige Weise, einzubeziehen. Jede Unbeholfenheit, die sich in diesen Konfrontationen manifestiert, löst sich in Momenten aus, in denen Chipaumire uns einlädt, uns mit ihr zu bewegen, zu springen und mit ihr zu lachen.

“#PUNK” beginnt mit einem scheinbar harmlosen Willkommen. chipaumire und ihre begleitende Tänzerin Shamar Watt präsentieren die Show über Ska-Musik (gespielt von einem Gitarristen mit einem Wah-Wah-Pedal), während sich die Zuschauer auf die hell erleuchtete Bühne stapeln. “Dies ist eine Einführung in eine Einführung”, sagt Watt im Emcee-Stil, “von überall, irgendwo in Afrika.” Obwohl in Simbabwe geboren, stuft Chipaumire absichtlich den Eindruck einer homogenen, transkontinentalen afrikanischen Kultur hervor verschiedene diasporische Tanz- und Musikstile – jamaikanisch, ghanaisch, afroamerikanisch.

Die anfänglich fröhliche Atmosphäre lässt weiter nach, als Chipaumire dem Publikum von einer Zeit erzählt, in der sie in Brooklyn auf der Straße unterwegs war. “Hey, du Schwarzer, geh zurück nach Afrika”, sagt sie und ahmt den Angreifer nach. Sie zeigt uns dann ihre Antwort: “Wichsen!”, Sagt sie und macht eine kräftige masturbierende Bewegung. In solchen Momenten scheut Chipaumire nicht, die Zuschauer in die Defensive zu zwingen, und ihr Gesichtsausdruck wandelt sich von einem freundlichen Lächeln zu wütenden Grimassen. “Cocksucker, Motherfucker, schau mir zu, wie ich nach Afrika zurückkehre!” Nach ein paar Hüftstößen im Elvis-Stil geht sie über die Bühne in eine Ecke, während Watt in eine andere übergeht. Zu der Gruppe, die sich entscheidet, ihr zu folgen, sagt Chipaumire: „Dieser Tanz ist für den König … Kong.“ Sie fällt knurrend auf den Boden, krümmt die Schultern und schlägt die Fäuste in einem Gorilla-Eindruck auf den Boden. Sie hält wütenden Augenkontakt mit mir für die Dauer. Dann steht sie auf und ihre Bewegungen werden luftiger, bis ihre Fäuste nur noch ein Brustklopfen hervorrufen, ohne ihren Körper zu berühren. Das Endergebnis sieht verblüffend elegant aus.

Später auf der Bühne wiederholt Chipaumire die Geschichte „Zurück nach Afrika“, diesmal in Oakland. „Schau mir zu, wie ich zurückgehe!“, Schreit sie und plötzlich tauscht der Gitarrist sein Wah-Wah-Pedal gegen ein knorriges Punk-Sustain. Chipaumire und Watt drehen ihre Hüften, schieben sich im Gleichklang, krümmen sich langsam und deuten auf die Gwara Gwara und die Azonto. Ihre mühelose, lockere Synchronisation gefällt dem Auge und ist eine willkommene Abwechslung zu ihren ansonsten unzusammenhängenden, scheinbar unberechenbaren Bewegungen. Sowohl Watt als auch Chipaumire drehen in den drei Akten mehrmals ihren unteren Rücken; Kreiselbewegung ist auch eine Art Revolution.

Dass Ska zum Punk übergeht, ist kein Zufall: Chipaumire beschäftigt sich mit Ideen der Revolution als Aneignung im nächsten Akt, „100% POP“. Der gleiche Kreislauf von Unbehagen und Erleichterung bleibt bestehen, aber in diesem Akt schimmert und pulsiert die Energie des Jahrzehnts Chipaumire situiert uns in: den 1980er Jahren. Die Klanglandschaft trifft auf Louis Armstrong, Grace Jones und Gil Scott-Heron, die sich gegen Stakkato-Beats und Lärm behaupten. chipaumire fordert das publikum auf, mehr auf der bühne zu tanzen und lädt die tanztruppe it’s showtime new york ins center zum moonwalk ein. Auf dem rot beleuchteten Dancefloor spielen sie Freestyle, während die präzisen, großen Bewegungen den Zuschauern viel Freude bereiten.

Für chipaumire geht Freude mit harter Realität einher, und „100% POP“ dient als direkter und effektiver Vergleich zweier Revolutionen, die für den Kampf um die Gleichberechtigung der Rassen von wesentlicher Bedeutung sind. “Wir werden wie 1980 feiern. Wie können wir uns befreien, wenn wir nicht lesen können?”, Fragt Chipaumire zu Beginn dieses zweiten Akts, wiederholt Marcus Garveys berühmte Worte und erinnert an den Kampf, die Schulen während der Bürgerrechte zu desegregieren Bewegung. Später, sagt sie und wiederholt Eric Garners letzte Worte, als ihn ein New Yorker Polizist 2014 in einem tödlichen Würgegriff festhielt: „Wie können wir uns befreien, wenn wir nicht atmen können?“

Der Gedanke, dass die Revolution zyklisch ist und keine dauerhafte Veränderung bewirkt, mag sich für Chipaumire als pessimistisch herausstellen, und vielleicht ist es das auch. Aber sie präsentiert die Tanzfläche als einen Raum der Erleichterung von andauernder Unterdrückung, in dem ein Rassentrauma der angenehmen Körperlichkeit des Körpers weichen kann. In „* N! GGA“ kompliziert sie diese Idee und lokalisiert den Körper als Schmerzstelle.

In diesem Akt sitzt das Publikum, und Chipaumire, gekleidet in schillernde Safari-Ausrüstung, steht auf einem Berg von Kisten mit der Aufschrift „Louis Vuitton“, „YSL“ und „Hermes“. Sie ruft einem hemdlosen Watt, der schlägt, unbegreifliche Befehle zu seine brust läuft hektisch über die bühne, kreist, führt schulterisolationen durch und macht push-ups, die vor schweiß glänzen. Es ist unglaublich harte Arbeit. “Knick Knack Paddy Whack geben einem Hund einen Knochen”, singt Chipaumire. Der Kinderreim, dessen unschuldiger Ton bei der Wiedergabe von Chipaumire beraubt wurde, wird zu einer düsteren Geschichte über brutale Arbeitsbedingungen. Kurz darauf erklingt ein Blues-Song über die Arbeit auf dem Feld. “Das Herz der Dunkelheit”, schreit Chipaumire und spielt auf den Roman von Joseph Conrad an, während Watt sich aufgeregt dreht.

“* N! GGA ist ein Sonic-Essay, das sowohl die Pathologie des rassistischen Kapitalismus, die das Kolonialprojekt untermauerte, als auch den transatlantischen Sklavenhandel in Frage stellen soll”, schreibt Chipaumire in den Programmnotizen. „Arbeit, Wert und Ästhetik – was ist zu tun, um den Beitrag der Schwarzafrikaner zur Ideenwelt anzuerkennen?“ Ohne diese Richtlinie wäre es schwierig, im dritten Akt eine Bedeutung zu erkennen, die sich unverständlich von der des Freilaufs unterscheidet seine Vorgänger. Aber selbst innerhalb des eigenen Frameworks von Chipaumire fühlt sich „* N! GGA“ an wie ein grobes Durcheinander von Symbolen und Markierungen, die vage auf Afrika und Sklaverei ohne zusätzliche Anweisung verweisen. Das abgedunkelte Set spiegelt die sich verdunkelnde Spirale des Aktes wider, und in diesem Ausmaß gelingt es Chipaumire, ihren Betrachter völlig zu desorientieren. Vielleicht sind die letzten 15 Minuten der Show aus diesem Grund am entspannendsten, wenn wir wieder auf die Bühne eingeladen werden, um in unserem eigenen Tempo zu den luftigen Klängen des kongolesischen Rumba-Musikers Franco Luambo zu tanzen. Der Zyklus endet mit der langsamen Freigabe dieser angehäuften Bilder von Kapitalismus und Sklaverei aus unseren kollektiven Körpern. Kein Teil von “#PUNK 100% POP * N! GGA” fühlt sich versehentlich an. Chipaumire wendet ihre gewählten Kunstformen gekonnt an, um Unbehagen zu provozieren und es zu beseitigen, und die Tatsache, dass sie mit jeglicher Form von Erleichterung stört, deutet auf einen latenten Optimismus im Kern der Show hin.

Mitten in “100% POP” tritt chipaumire als einziges Solo in der gesamten Show auf. Ihre knifflige, schnelle Beinarbeit erzeugt einen wütenden, ernsten Tanz, aber die Leute ziehen ihre Kameras heraus, um sie trotzdem zu filmen. Sie beendet das Solo, indem sie ihren unteren Rücken kreist, und geht dann zur Seite der Bühne, wobei sie zum ersten Mal den Charakter bricht, um ein strahlendes, zahnartiges Grinsen hervorzubringen. Bei der Untersuchung der immensen Entspannung, die ich spüre, wenn ich ihr Lächeln sehe, beginne ich zu fragen, ob sie überhaupt den Charakter gebrochen hat.